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Interview mit dem preisgekrönten Landschaftsfotografen Lauren Henkin

2013-12-12 15
   
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résuméGeboren in Washington, DC, absolvierte bildende Künstlerin Lauren Henkin mit einem Bachelor of Arts in Architektur an der Washington University in St. Louis und liegt jetzt in New York City. Er Hauptgegenstand ist die amerikanische Landschaft. Ihr jü
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Interview mit dem preisgekrönten Landschaftsfotografen Lauren Henkin

Geboren in Washington, DC, absolvierte bildende Künstlerin Lauren Henkin mit einem Bachelor of Arts in Architektur an der Washington University in St. Louis und liegt jetzt in New York City. Er Hauptgegenstand ist die amerikanische Landschaft. Ihr jüngstes Projekt, The Park, konzentriert sich auf den Central Park, das massive konstruiert Stadtraum und, wie die Menschen sie zu engagieren.

PetaPixel: First off Lauren, erzählen Sie uns von dem Moment, Sie sich entscheiden, die Fotografie als Beruf ausüben wollte.

Lauren Henkin: Ich bin nicht sicher, ob ich überhaupt über die Fotografie als Beruf gedacht. Ich kann einen bestimmten Moment, obwohl, wenn ich wusste, ich wollte Fotografie als Künstler verfolgen markieren.

Meine Eltern, die zwar nicht die Künstler selbst, habe es immer geliebt die Künste. Sie nahmen meine beiden Schwestern und mich in Museen oft. Wenn wir in den Urlaub ging, gab es immer Museumsbesuche beteiligt. Im Jahr 1996 nahm mich mein Vater, eine Retrospektive von Harry Callahan Arbeit in der National Gallery of Art zu sehen. Es war ein sehr unentschlossen Zeit für mich. Ich hatte gerade absolvierte College mit einem Architekturstudium, war aber unsicher, dass ich wollte, um Architektur zu üben.

Als ich sah Callahan Drucke (insbesondere die Fotografien von Cape Cod), hatte ich eine viszerale Reaktion auf sie. Ich wusste, dass ich wollte, um mich auf die Ausübung der Fotografie als künstlerisches Medium zu widmen.

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PP: Wer waren die Mentoren, die, um Ihre Praxis zu formen halfen waren?

LH: Abhängig von einem bestimmten Kampf oder Straßensperre ich konfrontiert, suchte ich bestimmte Künstler um Hilfe und Führung. Studium der Architektur in der Schule gab mir ein Fundament in Form, Zusammensetzung und wie Sie ein Projekt mit einer starken konzeptionellen Fundament zu bauen. Aber was ich am meisten brauchte, in meinem Übergang von Architekten zu Fotografen, war zu lernen, wie ein großer Drucker zu werden.

Ich drehte Erste George Tice. Ich nahm einen Master-Druckwerkstatt mit ihm. Ich werde nie vergessen, eine brillante Herausforderung, die er präsentiert. Er legte eine Reihe von Drucke aus dem gleichen Bild und bat, dass wir zu kennzeichnen, welche Druck erfolgreich mit der Hell / Dunkel-Kombination war, hatte aber zu viel Kontrast, was zu leicht mit zu viel Kontrast war; das war zu dunkel, mit zu viel Kontrast; die zu Licht mit wenig Kontrast, und so weiter war. , Dass eine Übung eröffnet den Weg für mich ein Vokabular für meine Ausdrucke zu entwickeln.

Tyler Boley - - einen Fotografen und Druckermeister in Seattle Soweit laufend Mentor, ich habe nur eine hatten. Ich nahm einen Master-Druck in Pigment Workshop mit ihm Jon Cone Atelier in Vermont. Seitdem ich habe ihn mit Fragen über das Drucken mit unterschiedlichen Materialien und Techniken, alles im Dienste der Ideen in den Bildern dargestellt belästigen.

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PP: Und als Follow-up, die Sie unter Ihren größten Einflüsse zählen, fotografisch oder auf andere Weise?

LH: Ich schaue, um Künstler, die in allen Medien für die Inspiration. In der Fotografie oft wende ich mich an Robert Adams. Er ist ein Künstler ständig drängen sich auf neue Weise zu sehen, während leise Herausforderung unserer kulturellen Identität. Ich freue mich auch auf Maler wie Brice Marden und Willem de Kooning, Bildhauer wie Martin Puryear und Louise Nevelson, Architekten wie Alvaro Siza und Herzog & de Meuron und Dichter wie Mark Strand und Charles Wright.

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PP: Ihr neuestes Projekt, Der Park wurde im Central Park in New York City im Laufe der letzten drei Jahre. Erzählen Sie uns, was angespornt Sie, dieses Projekt zu beginnen. Hat das Endergebnis nahe kommen, was Sie am Anfang vorgestellt hatte?

LH: Das Park begann im Jahr 2009. Zu dieser Zeit war ich in Oregon lebt und nicht nach New York in ein paar Jahren, wahrscheinlich die längste Strecke ohne die Stadt in meinem Leben. Ich habe es verpasst. Ich hatte nur 24 Stunden. Ich dachte, ich würde die Museen und Galerien, wie ich es normalerweise tun zu schlagen, aber es ist ein schöner Sommertag war, und ich hatte einen starken Drang, im Central Park zu fotografieren. Ich verbrachte etwa 6 Stunden an diesem einen Tag Fotografieren und Wandern.

Ich hatte nicht eine Absicht für das Projekt am Anfang. Nach dieser kurzen Reise, ging ich zurück nach Oregon, machte kleine Beweise und verbrachte eine lange Zeit - mehr als ein Jahr - bei einem Blick auf sie, zu verstehen, was sie wollten und was ich von ihnen wollte. Ich hoffte, dass eine gemeinsame Basis würde das Projekt zu konzentrieren.

Ein paar stand und ich begann, einige allgemeine Themen zu identifizieren. Central Park ist gut verschneitem Gelände. Und es ist nicht nur häufig fotografiert, aber von Meistern in diesem Medium-Davidson, Papageorge, Meyerowitz, Friedlander erschossen. Ich müsste sagen, etwas Neues.

Was dabei herauskam, waren für mich Fotografien Kombination mehrerer Elemente - eine menschliche Präsenz, die Architektur und die Landschaft - manchmal unbeholfen, manchmal harmonisch. Das würde das Projekt ... nicht ein, wo der Park wäre ein Rahmen für Humanstudie zu sein, aber als Bühne, von dem zu verstehen, wie wir den öffentlichen Raum.

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PP: Die Parks passt gut in Ihre allgemeine Ausrichtung in der Landschaftsfotografie. Was ist der Reiz der Landschaftsbilder, um Sie, die nicht in anderen Genres zu finden ist, wie beispielsweise Hoch- oder still-life?

LH: Es ist weniger über die Attraktivität der Landschaftsfotografie, und mehr, was es in der Natur und einer laufenden Faszination Form. Als ich studierte Architektur, baute ich sehr abstrakte, konzeptionelle Modelle (meist von Gebäuden im Rahmen der bestehenden Bedingungen). Ich habe auch fotografiert Baustellen. Ich würde visuelle Studien von Licht, die wechselnden Konturen des Landes, und wie gebaut Form angreift und koexistiert mit dem natürlichen zu machen. Landschaft ist nicht mein Genre; Form ist.

Ich würde behaupten, dass viele der Fotografien, die ich machen, sind Porträts von uns - sowohl in unseren Einfluss auf die Grundstücke und in, wie es kann immer noch unabhängig von uns existiert. Mein erstes Werk, Charleston, war eine Reihe von Stadtlandschaften. Dieses Bild, "Zeitdruck", zu mir, ist so viel über uns, da es zu einem Gebäude oder Straße oder Stadt ist. Ich bin sehr daran interessiert, in der Porträtmalerei-einfach nicht auf direktem Weg.

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PP: Was ist der Schlüssel zu einem großen Landschaftsphotographie? Ist es das gleiche wie macht eine große Fotografie im Allgemeinen?

LH: Ich denke, der Schlüssel zu einem großen Landschaftsphotographie ist dieselbe wie sie eine große Bild. Es geht darum, neu zu interpretieren, was wir erleben in drei Dimensionen mit verschiedenen Zutaten - Form, Spannung, Textur, Mehrdeutigkeit, Intuition und etwas von sich selbst - in ein zweidimensionales Objekt. Die Brillanz der Fotografie ist in der Herstellung von etwas scheinbar so einfach aus der Komplexität und Chaos.

PP: In ähnlicher Weise haben Sie Leitprinzipien, die Sie folgen, wenn Sie machen Bilder haben? Gibt es eine zugrunde liegende Philosophie, die alle Ihre Arbeit zusammenhält?

LH: Ich würde nicht sagen, dass ich keine Leitlinien, wenn Sie Bilder über einem Schwerpunkt auf Form und Engagement für die Fotografie als Objekt. Es gibt Intents für jedes Werk, jedoch.

Before The Park, konzentrierte sich meine Arbeit auf der Spannung zwischen Bewahrung und Aussterben, als sich durch die Landschaft auf verschiedene Weise erzählt. Aber, ich bin misstrauisch gegenüber immer zu bequem in einem Prozess oder Thema oder Genre oder visuelle Sprache. Experimentieren ein Leitprinzip sein.

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PP: Im Laufe der Jahre Sie schon einen Ruf als Künstler, die ihre eigene Karriere fördert durch Lehre, Sprechen und Schreiben. Was sind die größten Herausforderungen, der seinen Lebensunterhalt als Fotokünstler. Was sind die Schlüssel zum Erfolg bei ihm?

LH: Die größte Herausforderung für ihren Lebensunterhalt als Fotokünstler wird ihren Lebensunterhalt als Fotokünstler. Ich weiß nicht, viele Fotografen, die Sie leben von ihrer Kunst. Ich würde als Ausgangspunkt, dass Sie die besten möglichen Aufnahmen kann man machen, zu sagen. Jedes Werk sollte besser als die vorherige sein. Experiment. Seien Sie offen für Kritik, aber wählen Sie Ihre Kritiker sorgfältig. Frage stellen Sie sich und Ihre Arbeit, sondern auch lernen, Ihren Darm zu vertrauen. Verstehen Sie Ihre Fotos im Zusammenhang mit der Geschichte dieses Mediums. Sprechen Sie über Ihre Arbeit mit Intelligenz und Vitalität.

Der Erfolg musste ich wurde von Ausdauer und einem Ansatz, der folgendes beinhaltet zu kommen: immer meine Arbeit vor so vielen Menschen wie möglich; Gespräche mit anderen Künstlern (Arbeiten in allen Medien); die gemeinsame Nutzung der Fotografien mit erstklassigen Kuratoren und Galeristen; und am wichtigsten, geduldig. Ich habe gerade meinen ersten großen institutionellen Akquisition (100+ Drucke). Es dauerte mehr als 2 ½ Jahren, dies zu einer Realität (ohne die Herstellung des Werkes) zu machen. Es ist immer noch eine Tugend.

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PP: Schließlich, was freust du dich, um im nächsten Jahr?

LH: Ich freue mich darauf, beginnen Sie ein neues Projekt, das mich in eine andere Richtung nimmt. Diese Serie begann mit ein paar Bilder, die ich vor etwa einem Jahr durchgeführt und haben nun in eine inhaltliche Idee gekeimt Der Park hat einen Wendepunkt für mich -. Aus der Notwendigkeit, Projekte aus internen narrative stammen befreit mich. Jetzt bin ich mehr daran interessiert, mit Schwerpunkt nach außen, um breitere visuelle Aussagen zu machen.

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Bildnachweis: Fotos von Lauren Henkin und mit Genehmigung verwendet.

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